sábado, 4 de diciembre de 2010

TRES ÚLTIMOS CONCIERTOS


Johannes Brahms

Rafael Ponce 29-11-2010

De los tres últimos conciertos de la OFM me quedo con las cuatro meditaciones para orquesta que conforman la L´Ascension de Olivier Messiaen, la 4ª Sinfonía “Romántica” de Bruckner y la 2ª Sinfonía de Brahms.
Llegué al concierto del 15 de Octubre con el convencimiento de que descubriría una nueva música con la que todavía no había conectado, la determinación tan decidida de cerrar la noche con L´Ascension me decía interiormente que esta obra me introduciría en el mundo musical de Messiaen (1908-1992), nacido en Aviñón, organista y compositor, influenciado por el canto gregoriano, la música hindú,y la de Stravinsky. Militó en el ejército francés durante la II guerra, fue capturado en 1940por las tropas alemanas e internado en un campo de concentración en Silesia (Polonia) donde compone su obra de cámara más conocida el “Cuarteto para el fin de los tiempos”, casualmente encontró en el campo a un clarinetista, un violinista y un cellista, hecho que condicionó la formación del cuarteto, marcado por las numerosas calamidades que pasó en esta etapa.
El estreno de L´Ascension se produjo en París en 1934 con una gran acogida por parte de público y crítica. Católico practicante, la fe católica gravita siempre en su música, a pesar de que esta obra es para tocarla en conciertos y no para la liturgia, tiene una gran espiritualidad que nos recuerda la música netamente religiosa, una obra que nos aísla y nos llega muy adentro, trasladándonos una paz interior que nos conmueve . Un magnífico concierto, con una fría acogida, como siempre ocurre con las obras contemporáneas, a las que ya va siendo hora se le vaya prestando atención, para que la música como todas las artes evolucione, no podemos anclarnos solo en el romanticismo y el clasicismo, hay que descubrir cosas nuevas.

El 29 de Octubre teníamos una primera parte con el conocidísimo concierto para violonchelo y orquesta del checo Dvorák (1841-1904)con Tatiana Vassiljeva que con su Stradivarius hacia su presentación en el Cervantes, obra de gran dificultad, no falta en el repertorio de ninguno de los grandes en este instrumento, recuerdo especial para Jacqueline du Pré (1945 -1987) referencia para mí en la interpretación de esta obra, la joven Tatiana estuvo muy segura y compenetrada con la orquesta, deleitándonos con un Adagio maravilloso. Versión de un gran nivel como ya nos tiene acostumbrado la OFM, dirigida esta vez por el mejicano Enrique Diemecke.
La segunda parte del concierto nos regalaba la interpretación de la 4ª sinfonía de Antón Bruckner (1824-1896), nacido en Austria, hijo mayor de siete hermanos, su padre era maestro de escuela, sacristán , cantor y organista, aprendió de él a tocar el órgano su instrumento preferido junto al violín, su primera composición importante después de acabar sus estudios fue la Misa en re menor, en una época en que la música se hallaba dividida en dos mundos irreconciliables, el de Wagner y el de Brahms, se decanta por el del primero sobre todo cuando dedica a Wagner su tercera sinfonía ,motivo este que le hace ser blanco de feroces críticas de los antiwagnerianos. De su cuarta sinfonía titulada “Romántica” hay unas cinco versiones conocidas, la original aun hoy se sigue sin estrenar, ni publicar, la que escuchamos es la revisada por Novak para mi gusto la mejor de las que conozco.
Soberbia fue la interpretación de la OFM, dirigida magistralmente por Diemecke, que maravilla de sinfonía, que sonoridad, la música en todas sus dimensiones, Comienza con una suave y lejana melodía de una trompa a la que continua un crescendo majestuoso que rompe finalmente con unos metales en los que sobresalen los trombones de forma diría yo que solemnes, no por las repetidas audiciones deja de ponerte los pelos de punta, en especial cuando como es esta ocasión lo escuchas en directo. Una orquestación inigualable dentro de la línea musical que comenzó en su tercera sinfonía. Cosas de esta vida, el día de su estreno el público disconforme fue abandonando la sala en la que terminaron quedando un grupo muy reducido de personas, entre ellos un joven Gustav Mahler que era un ferviente seguidor de Bruckner. De una duración aproximada de 68 minutos, los asistentes disfrutamos de una noche muy grande, de las que no se olvidan.

Sinfonia nº4 - mvto.-1º Bruckner

Schumann y Brahms, junto a la jerezana Nuria Núñez fueron los protagonistas de la noche del día 5 de Noviembre. Robert Schumann (1810-1856) nacido en la ciudad alemana de Zwickau, amante de las letras, su padre era editor y librero, a los 14 años escribe un ensayo sobre la estética de la música, es atraído por esta en 1819 después de presenciar la ópera “La Flauta Mágica” de Mozart, fundó la revista musical ”Neue Leipziger Zeitschrift für Musik” su inestabilidad personal le hacen un modelo perfecto del romanticismo alemán que según la musicóloga Ana Nuño creó el mito del genio precoz, muerto en el umbral de la edad adulta o anulada sus facultades por la locura. Se casa con Clara Wieck, hija de su antiguo maestro, famosa pianista que había sido "niña prodigio" y a la que algunos consideran la mejor del siglo XIX, precisamente la obra de esta noche es el concierto para piano y orquesta en la menor, estrenado brillantemente por su esposa en 1846 en Leipzig.
En un intento de suicidio Schumann se arrojó al Rin siendo afortunadamente rescatado a tiempo, pero ya no recuperaría la cordura, internado en una clínica privado muere el 29 de julio de 1856 a los 46 años, a partir de su muerte su mujer hace una gira por todo el mundo para dar a conocer su obra.
El argentino Nelson Goerner hizo una interpretación del concierto de piano muy brillante y aplaudida por el público, perfectamente acoplado a la orquesta que ralló a gran altura, dirigida magistralmente por Edmon Colomer.
Veinte años después de su primera sinfonía, el alemán Johannes Brahms (1833-1897) en un corto espacio de tiempo escribe la 2ª Sinfonía en re mayor. Creo que su más genial obra, para mí una de las piezas cumbres del romanticismo. Pianista y compositor, influenciado por Mozart, Haydn y sobre todo por Beethoven, fue el romántico más clásico, esto no gustó mucho en Alemania y se vió obligado a trasladarse a Viena en 1862 donde escribe lo mejor de su obra, entabló gran amistad desde joven con el matrimonio Schumann que le ofreció su hospitalidad, empezó a tener fama a raíz de los grandes elogios que recibió en la revista Neue Leipziger Zeitschrift für Musik de Robert que llego a decir de él "estaba destinado a expresar idealmente su época".
La interpretación de la OFM fue de muy aceptable, luciendo sobre todo en sus secciones de cuerda, creo que la cuerda es el fuerte de esta orquesta, casi a la misma altura rayan las maderas, pero creo que los metales no están a la altura de los anteriores, pero eso es una opinión mía y advierto que solo soy un aficionado, pero es lo que percibo desde mi localidad.
Apoteósico para mí el adagio, creo que de una profundidad y un sentimiento que me corta la respiración, invito a todos a escucharlo repetidamente. Al final otra gran noche como todas las anteriores y es que esta temporada con Colomer las cosas van rodando casi a la perfección.


Sinfonía nº 2 -2º movto. Adagio - Brahms

lunes, 11 de octubre de 2010

SEGUNDO CONCIERTO DE ABONO DE LA OFM



Rafael Ponce 20-09-2010

El segundo concierto de la temporada se baso al igual que el primero en la música rusa, comenzó con las ocho canciones populares rusas op. 58 de Anatole Liadov (1855-1914).
Dicen algunos críticos que el carácter de un pueblo se muestra más marcadamente en su música folclórica que en cualquier otra cosa, pues digamos que en Europa la música rusa es la que está más claramente influenciada por la música folclórica nacional, la gran riqueza de costumbres unido a su gran extensión de sus tierras dan como resultado una variada y rica música. Liadov fue un gran maestro de la miniatura, apenas escribió obras de gran formato, discípulo de Korsakov, del que dijo Musorgsky “es un nuevo, inequívoco y original joven talento ruso”, influenciado por “el grupo de los cincos” (Balákirev, Cui, Músorgski, Rimski-Kórsakov y Borodín), que tenía el objetivo de producir un tipo de música específica de Rusia, en lugar de uno que imitara el estilo en que se basó la música europea y del que Liadov fue fiel continuador.
Canto religioso, Villancico Kolyada, Canción dolorosa, Bailé con el mosquito, Leyendas de las aves, Canción de cuna, Danza de la rueda o circular y Canción de la danza de la aldea son los títulos que conforman las ocho canciones, con una duración de unos quince minutos, sonó exquisitamente la orquesta, cuidando la originalidad y el refinamiento que tiene la obra, interpretada por la OFM con muchísima destreza, dirigida magistralmente por Edmon Colomer, recibió para mi gusto unos tímidos aplausos, quizás como suele pasar la gente al principio está fría.
La segunda obra fue el concierto para violín y orquesta en re mayor, op.35 de Tchaikovsky (1840-1893).
Etiquetado quizás erróneamente como partícipe de las ideas sinfonistas occidentales por el diletante grupo de los Cincos que abanderaban la causa nacionalista, Korsakov llegó a decir que su música era de un gusto abominable, en cambio Tchaikovsky que asistió al ensayo general del estreno del Capricho español de Korzakov, le entusiasmó tanto la música que al día siguiente le regaló a Rimsky una gran corona de plata que este mostraba orgullosamente en su despacho.
Lo cierto y verdad es que fuera de Rusia era considerado como el compositor ruso por excelencia, el de más prestigio y por supuesto el más programado, hechos que aun siguen vigentes.
Gran admirador de Mozart, amante de la naturaleza y de su Rusia natal, de una sensibilidad grandísima y muy inestable emocionalmente, nos ha legado una obra bellísima de la que forma parte destacada este concierto para violín, compuesto en un tiempo record cinco días, el primer movimiento, uno en el segundo y tres en el tercero. Estrenada en Viena en 1881, sufrió el desprecio inicial de críticos y del afamado violinista Leopold Auer que la calificaron de inejecutable, de unos treinta y siete minutos de duración, en la actualidad es una pieza de obligada interpretación de cualquier solista de violín que se precie, para mí junto al de Beethoven, y al de Mendelssohn los mejores en su género sin duda alguna.
Lo interpretó esta noche la joven norteamericana de origen coreana Catherine Cho con gran virtuosismo, derrochando aplomo, confianza y un saber estar en el escenario que me dejó impactado, sobre todo por ser una persona tan joven, creo que es el tercer o cuarto que escucho en directo y nunca me han llegado de esta manera, ayudó mucho la orquesta que conducida por Colomer sonó equilibrada, sin tapar en ningún momento a la solista, al final del primer movimiento el publico indebidamente se arrancó en aplausos llevados por la emoción y no por la ignorancia ya que los abonados del viernes me consta son gente entendida, en fin para mi gusto redondo, lo mejor de la noche.
La segunda parte del programa era la obra Petruchka de Igor Stravinsky (1882-1971), música de unos treinta y dos minutos de duración, escrita para el ballet del mismo nombre, uno de los tres ballets rusos de la juventud de Stravinsky, claramente influenciado por la tradición rusa, que conoció y de la que tiró gracias a su maestro Rimsky Korsakov, pero imprimiéndole su lenguaje personal inconfundible. Esta burlesca en cuatro escenas fue compuesta en Lausanne, Clarens, Beaulieu y Roma entre Agosto de 1910 y Mayo de 1911 y fue estrenada en Paris el 13 de Junio de 1911 por el Ballet Ruso, comentó Stravinsky que tras El Pájaro de Fuego, quiso cambiar y realizar una pieza en la que el piano actuara gran parte de la obra, según sus explicaciones de cómo le vienen las ideas:” En la composición de la música tenía en mente un distintivo cuadro de una marioneta, de repente dotada de vida, exasperando la paciencia de la orquesta con cascadas diabólicas de arpeggi. La orquesta por su parte responde con ráfagas de trompetas amenazantes. El resultado es un terrorífico ruido el cual alcanza su punto culminante y termina en el colapso doloroso y quejumbroso de la pobre marioneta” también comenta en sus crónica que un buen día saltó de alegría por haber encontrado el título Petruchka, el héroe inmortal e infeliz de cada feria en todos los países
Soberbia la orquesta, la música de ballet pierde cuando es interpretada en conciertos, no fue este el caso de la interpretación de esta noche, la dirección de Edmon Colomer extraordinaria, en resumen un concierto inolvidable de los que hacen afición.

A.Suwanai plays Tchaikovsky Violin Concerto (1st Mov 2of2)

sábado, 25 de septiembre de 2010

IVÁN "EL TERRIBLE"



Rafael Ponce 11-09-2010

Comenzó la temporada de la Orquesta Filarmónica de Málaga con la obra de Sergéi Prokofiev Iván el Terrible, oratorio compuesto por encargo del realizador cinematográfico Sergéi Eisenstein para la película del mismo nombre a principio de los años cuarentas, pretendía Eisenstein despertar el orgullo del pueblo ruso ante la ya muy probable invasión alemana con personajes tan fascinantes con el Gran Duque de Moscovia, que llegaría a ser el zar Iván IV Vasilievich, conocido con el sobrenombre de “Groznïy” (“El Terrible”) nacido en 1530 y muerto en 1584 combinaba el idealismo para la construcción de un gran imperio con la mayor dureza y crueldad imaginable, como relata el narrador al principio era el tiempo en Europa de Carlos V y Felipe II, Catalina de Médici y el Duque de Alba de Enrique VIII y María la Sangrienta, de las hogueras de la Inquisición y la masacre de San Bartolomé, cuando ascendió Iván IV al trono.
Se divide la obra en tres partes, la primera dedicada a la afirmación y triunfo de Iván como zar, la segunda dedicada a la conjura de los boyardos que plasma la venganza y crueldad del zar ante la amenaza interior y exterior y la tercera la campaña para la unificación de Rusia, ante el paralelismo de la crueldad del zar con los métodos políticos y de gobierno de Stalin, después del estreno en Moscú el 30 de Noviembre de 1944, se prohíbe la película, aunque paradójicamente se le otorgó el Premio Stalin de Cine en el año 1946.
La interpretación de la orquesta fue muy brillante, era la tercera vez que la escuchaba y me pareció la mejor, el coro de Ópera de Málaga con cerca de 100 persona a muy buen nivel, así como la mezzosoprano Ainhoa Zubillga y el narrador Luis Álvarez si bien este último tenia para mí la desventaja de mi recuerdo del narrador anterior Rafael Taibo que en ese campo es insuperable, espectacular el barítono Denis Sedov, clara y enérgica la dirección de Edmon Colomer, creo que ha sido un gran acierto el fichaje de este director para la orquesta, solo me sorprendió que la narración fue recortada o resumida demasiado, quizás eso sí en beneficio de la música.
Creo que la temporada ha empezado muy bien y promete bastantes éxitos, insisto en que el director me encanta.

lunes, 6 de septiembre de 2010

MALAGUEÑA DE LECUONA



Rafa Ponce 07-09-2010

Hace ya tiempo vi esta interpretación en una retransmisión de la cadena ARTE y quizás por ser malagueño me impresionó. Nada más y nada menos que, la para mi mejor orquesta del mundo, la Filarmónica de Berlín, dirigida por Daniel Barenboim uno de los monstruos sagrado de la dirección, así como gran persona comprometida con la solución de muchos problemas del mundo actual.
Si a mí me impresionó, creo que a los alemanes también a la vista de la ovaciones finales.
El caso es que me he tropezado con este video (no es muy bueno) y quiero que por lo menos lo veáis y opinéis.

miércoles, 11 de agosto de 2010

TRAVESIA A NADO DEL PUERTO DE MALAGA 2010


(Al fondo el edificio amarillo y la boya amarilla, delante del barco azul la roja ¡Bueno pues dentro del agua no veia ni edificio ni barco ni leches...!)


Rafa Ponce 9-08-2010

Un año más llegó la esperada travesía del puerto de Málaga, todo un acontecimiento de la natación popular malagueña, donde nos concentramos los amantes de este deporte sin distinción de categorías o niveles, nos vemos desde gentes que nadamos por mantenimiento personal, ex nadadores, triatletas, nadadores federados máster y también de la élite de este deporte. Este año contábamos nada más y nada menos que con nuestra Campeona de Europa María Peláez, que merito tiene esta chica, como se acuerda de Málaga y en cuando puede la tenemos en todos los eventos relacionados con la natación, también contamos con Alfonso Wucherpfenning uno de los mejores nadadores malagueño de todos los tiempos, hoy volcado mas con el waterpolo, en fin esta prueba se convierte en punto de encuentro de jóvenes, veteranos y aficionados a este deporte.
En mi familia este acontecimiento se vive desde días antes, mi hija mayor vive fuera de Málaga y tiene que planificar vacaciones para hacerlas coincidir con la fecha que este año era el 8 de Agosto, pretendemos hacerla toda la familia, aunque por ejemplo este año el pequeño no ha podido por motivos de trabajo.
La noche anterior a la prueba uno duerme mal, llevo como ocho nadadas, pero es imposible quitarse un cosquilleo, acompañado de la preocupación por que todo salga bien, por la mañana me levanto y siempre pienso que no te encuentro bien, nos vamos al club Mediterráneo y allí nos cambiamos con cierta precipitación y rapidamente al puerto, llegado a este localizamos al resto de la familia que se ha ampliado hace unos años con Joaquín, pareja de mi hija Nuria, incluso mi sobrino José Manuel, otro clásico que no puede faltar.

(llegada del genio Carlos Sauco)

Recogemos el gorrillo, nos ponen el numero y el chip y pasamos a la zona de nadadores, nos acercamos a la salida y vemos la colocación de las boyas, mi mujer como siempre dice que ella no se tira cuando ve el panorama y es que la verdad cuando uno ve las boyas se asusta un poco, imaginen las boyas amarilla de las playas están a 200 metros, pues cinco veces esa distancia cuando se ve en el terreno impresiona, esta vez la primera de color amarilla la teníamos enfrente en lo que era antes pescadería y costaba verla, a la derecha una roja y a la altura de los depósitos de Bacardy la otra roja para ya encarar la salida/meta, lo que conformaba un circuito circular que según la organización es de un kilometro y a mi me parece algo más. Tratamos de tomar referencias en barcos, edificios, grúas o depósitos, porque sabemos que dentro del agua las boyas no se ven hasta que estás cerca, nos dedicamos a los saludos según van apareciendo gentes que conoces y que en muchos casos últimamente nos vemos solo allí, esto relaja mucho, ahí está Carlos Sauco un genio como persona, que tiene toda la gracia del mundo, Víctor Conejo deportista nato, Dúo que este año está en una forma impresionante, Maria Peláez nuestra Campeona de Europa que como siempre que puede acude sin falta,

(con Maria Peláez primera española Campeona de Europa y como persona campeona del mundo)

la escuadra máster del Mijas casi al completo, este año no ví a Joaquín Canales, los asiduos del Mediterráneo que conformamos el grupo más numeroso, saludos y charlas hasta que llaman para la salida a la que acudimos sin prisa porque la gente joven se agolpan en los sitios delanteros tratando de posicionarse bien, yo me quedo al final con Rosario y mi sobrino José Manuel, la salida se dilata mucho, calculo que 10 minutos, no apoyamos en una corchera del embudo y ahí estamos mas cómodos que dando patada alternativa y comentamos de ir juntos.

(abajo a la derecha mi mujer, yo los dos con gorillos amarillos y mi sobrino con uno azul)

A esto que dan la salida el primero en darse cuenta es mi sobrino, bueno pues a nadar, al principio tratando de no meterme en sitios muy transitados, nadando despacito y con el mejor estilo posible, para ir progresivamente aumentando el ritmo de brazada, a los cincuenta metros ya no veo a nadie de los míos, pero lo que es peor, las gafillas se me empañan y no veo ni boya ni edificios ni nada a lo lejos, miro a mi entorno y sigo a los que veo.
El camino a la primera boya es largo unos quinientos metros, llega un momento que nado muy cómodo y sin estorbo de nadie, que bien, me paro miro y sorpresa, me estoy desviando del camino, pienso con indignación, que hacen los niños de las piraguas que nos acompañan, que no nos avisan, será un requisito del reglamento, pues vaya gracia, corrijo el rumbo y me vuelvo a unir a un grupo con el que por fin llego a la boya amarilla doblo esta muy exteriormente pues cuanto más cerca más gente veo.

Me encamino a la próxima roja y este tramo lo hago perfecto porque hay una corchera que te guía, llego pronto a la boya roja y empiezo a nadar guiándome por los depósitos de Bacardy, aquí de nuevo me veo solo y es que me estoy pegando mucho al muelle, al fondo borroso veo las carpas de la salida, escucho al locutor que ameniza la carrera a lo lejos, busco mas nadadores y vuelvo a corregir el rumbo y así llego al embudo de llegada donde el atasco es fenomenal, de pronto escucho a mi lado ¡Fele! (como se me llama en mi casa) me vuelvo y es mi mujer que llega conmigo, vaya coincidencia todo el camino sin vernos y a la hora de llegar nos encontramos, cualquiera diría que hemos ido junto todo el camino, bueno como no se puede salir esperamos los dos juntos en la cola y como cinco minutos después subimos la escalera y sin mucha prisa pisamos de la mano la alfombrilla que para el crono creo que en 33.49 pero eso es lo de menos porque no es real por la espera.

Salimos a la zona de duchas y aquí nos perdemos de nuevo, guardo cola para recoger los obsequios que nos dan y ahí me encuentro a mi sobrino, vaya huevos que le echa, sin entrenar todo el año, con algún kilo de más el tío se tira todos los años, en la cola para recuperar las mochilas me encuentro a Carlos Sauco hablando con mi mujer y ambos deciden ponerse a bailar para matar el tiempo, de locos ¿no?, me encuentro como todos los años con Antonio Cisneros compañero de Ruedas Redondas, veo que mi mujer se está dando un masaje en la zona que han habilitado para ello y corriendo para la zona de entrega de trofeos.
Como de costumbre la familia menos yo, consiguen algún trofeo y este año en la categoría C no federadas Nuria fue segunda, con un tiempo de 19:11 y Carolina tercera con 20:00, si bien la nadadora que les ganó con 19:04 es federada, no sabemos porque se inscribió en no federadas, esto aguo un poco la fiesta de mis hijas, si bien pronto pasó el cabreo ya que de verdad lo importante es pasárselo bien, en la categoría E no federadas mi mujer fue tercera con 33:49 (28 o 29 reales) y esto hizo que saltara como una niña pequeña, al punto de subir a recoger el trofeo bailando o que se yo (y pensar que no se quería tirar) por otro lado Joaquín con un tiempazo de 21:18 fue 15 en una categoría D no federados, muy competitiva con 121 personas.


(subió a recoger el trofeo bailando)


Los ganadores absolutos fueron Alfonso Wucherpfenning con 15:24 en hombres y Maria Peláez con 15:34 en mujeres, otra alegria más, ambos amigos y del Club Mediterráneo.

Al final comida familiar pagada por los campeones jejeje la madre cada vez mas eufórica, todos contando sus vicisitudes personales durante la prueba y asi acabó un dia que no se te olvida en todo el año.
Felicitaciones a todos y hasta el año que viene.

domingo, 2 de mayo de 2010

COMENTARIO SOBRE EL BARROCO EN EL BLOG DE MI AMIGO TRUJILLO

http://formalismofuncional.blogspot.com/2010/04/retorno-del-hombre-la-naturaleza-viii.html


Rafa Ponce 28-04-2010

En el barroco, el arte en general tiene excesivo esplendor en su ornamentación y color, En la música a esto hay que añadirle la tendencia hacia los valores expresivos y de movimiento, se verifica un profundo y rápido cambio en las composiciones musicales, la necesidad de revelar las pasiones desemboca en géneros dramáticos como las cantatas, el oratorio y la ópera, y en una evolución constante en pocos años de la música instrumental “Allí donde encontremos reunidas en un solo gesto varias intenciones contradictorias –dice Eugenio D´Ors -, el resultado estilístico pertenece a la categoría del barroco”.
Empieza en 1600 cuando aparece la primera ópera que se conserva escrita y acaba con la muerte en 1750 de Juan Sebastián Bach.
Figuras máximas Claudio Monteverdi y Bach, pero también hay que tener en cuenta a Alessandro Scarlatti que en sus óperas da mayor importancia a la orquesta, dotándola de obertura y numerosas arias que ayudan al lucimiento de los cantantes, ojo escribió 115 óperas aunque casi todas están perdidas. También su hijo Doménico Scarlatti el mejor clavecinista de su tiempo y precursor de las modernas técnicas del piano. Arcangelo Corelli gran violinista y compositor sus sonatas de cámaras u conciertos grosso sentaron base para la futura evolución de la sonata y de los conciertos. Antonio Vivaldi “el cura rojo” por el color de su pelo de precaria salud que no le impidió componer nada menos que 40 óperas, 500 conciertos de los cuales 200 eran para violín, 3 oratorios y varis cantatas, con decir que influyo claramente en la obra de Bach que transcribió para órgano alguno de sus conciertos para violín, sin ir más lejos sus conciertos de Brandenburgo tienen aires vivaldianos . Haendel con 46 óperas, 32 oratorios donde destaca el conocidísimo “Mesías” compuesto en solo 24 días.
De Juan Sebastián Bach, decir que perteneció a una dinastía de más de 200 años de músicos, única en la historia por lo larga y la calidad de estos, para mí, su obra cumbre “La Pasión según San Mateos”, aunque su obra es extensísima y aquí ya se ha hecho referencia.
Resumiendo para mí los dos hechos importantes de esta época en cuanto a la música fue la aparición y desarrollo de la ópera y el auge que toma la música instrumental.

lunes, 19 de abril de 2010

MAHLER



Rafa Ponce 19-4-2010

Si alguien me pregunta sobre mi compositor favorito siempre me escuchará decir Gustav Mahler (1860 - 1911), y el caso es que cuando empezó a interesarme la música clásica me pareció inaccesible, pero cuando escuché fortuitamente el adagietto de su 5ª sinfonía me puse machaconamente a escuchar su obra completa, un movimiento como ese, solo lo podía haber compuesto un genio, si alguien tiene interés se lo recomiendo 4º movimiento (adagietto) de la 5ª Sinfonía, mi audición digo que fue fortuita porque la escuché viendo la película Muerte en Venecia donde Luchino Visconti incluyó esta música en su banda sonora, bueno pues si le gusta inicien la andadura de conocer a este músico, con la absoluta certeza de que cuando os llegue al alma, “porque tarde o temprano llega”, ya nunca escuchareis algo igual.

Nació en el seno de una familia burguesa de origen judío establecida en Bohemia y luego en Moravia, hijo adoptivo puede decirse de Viena refugio de continuos exiliados. Esto le hacía comentar “Soy tres veces apátrida. Como nativo de Bohemia, en Austria; como austriaco en Alemania y como judío en el mundo entero. Un intruso en todas partes, ¡En ninguna deseado!

En una Viena poco antes de su decadencia política y cultural, que se configura como la ciudad de los valses, de los cafés conciertos y las salas de bailes, en la que se citan un gran grupo de intelectuales y artistas radicales que abrirían nuevas perspectivas en muchos campos. Entre otros encontramos a Sigmund Freu, a los pintores Gustav Klimt, Egon Schiele y Oskar Kokoschka, los arquitectos Otto Wagner y Adolph Loos, hacen que la capital vienesa básicamente conservadora participe en el establecimiento de las bases intelectuales y artística de la era moderna.

En este ambiente se alzan voces discordantes desde el ámbito de la música donde Mahler y Schoenberg caminando eso si,en diferentes sentidos, inician un proceso de revisión de la música, siendo Mahler uno de los músicos que anuncian y presagian en su obra de manera más lúcida y consecuente todas las contradicciones que definirán el desarrollo del arte musical a lo largo del siglo XX.

Decía Mahler que su música no sería apreciada hasta cincuenta años después de su muerte. No le faltaba razón: valorado en su tiempo más como director de orquesta que como compositor, digamos que el director de prestigio internacional mantenía al compositor desconocido. Es curioso que su carrera como director la desarrolló fundamentalmente en el terreno operístico, fue director de las operas de Praga, Leipzig donde fue segundo de su protector Arthur Nikisch, Hamburgo, Budapest, Viena y Metropolitan Opera House, también dirigió la Filarmónica de Nueva York, sin embargo como compositor se dedico exclusivamente a las sinfonía y el lied.

Su reconocimiento como compositor fue lenta y se vio retrasada por la llegada de los nazis al poder en Alemania y Austria: por su doble condición de compositor judío y moderno, la ejecución de la música de Mahler fue terminantemente prohibida, el nombramiento como director de la ópera de Viena llevó consigo la renuncia a su religión judía y abrazar el catolicismo. Sólo al final de la Segunda Guerra Mundial, y gracias a directores como Bruno Walter, Leonard Bernstein y Otto Klemperer, sus sinfonías empezaron a hacerse un hueco en el repertorio de las grandes orquestas.

Compuso nueve sinfonías, la segunda es para mi gusto la mejor de todas, se titula “Resurrección” y es que Mahler asistió al funeral del mítico director de orquesta Hans von Bulow y fue precisamente allí donde escucho el poema “Resurrección” de Klopstock, versos que le parecieron ideales para el final tan espectacular de esta macro sinfonía donde el coro termina prácticamente gritando:

Con las alas que me he conquistado… / Me elevaré. / Moriré ¡para vivir después! ¡Resucitarás, si, resucitarás corazón mío en un instante! / ¡Lo que has penado te conducirá hacia Dios!

A partir de la Quinta, su música empezó a teñirse de un halo trágico que alcanza en la Sexta, en la Novena y en esa sinfonía vocal que es La canción de la tierra, su más terrible expresión.
En cuatro de ellas, en la línea de la Novena de Beethoven, el compositor utilizó la voz como un instrumento más.
La Canción de la Tierra (Das Lied von der Erde), un ciclo de canciones que aunque no está catalogada como sinfonía, lo es por muchos aspectos. Creada partiendo de una antología poética de Hans Bethge, en la que traducía y parafraseaba la mejor lírica china.

Compuso las “Canciones de los niños muertos”, Des Knaben Wunderhorn y “Las Canciones de un camarada errante” para voz y orquesta, así como muchas otras para voz y piano.

Inició una décima sinfonía, que dejó inacabada, que han completado varios músico, de las cuales yo me quedo con la de Deryk Cooke, que hoy día se programa asiduamente. En 1907 falleció su hija María de sólo cuatro años. La pena de Mahler ante la muerte son palpables en las que habrían de ser sus tres últimas obras: la antes mencionada a Das Lied von der Erde (compuesta en 1908), la Novena Sinfonía (comenzada ese año y terminada en 1910), y la Décima (inconclusa) esbozada en 1910. Murió el 18 de mayo de 1911 en Viena.

sábado, 3 de abril de 2010

LA PASION SEGUN SAN MATEO


Rafa Ponce 27-03-2010

Ayer tocaba la Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach (1685-1750), la fechas lo requería y allí estábamos para disfrutar de un concierto de los que no se olvidan y es que esta obra para mi, es la cumbre del barroco.

A Bach se le atribuyen cinco pasiones, San Mateo y San Juan que son las que se conservan, otra según San Marcos de la que solo tenemos la letra, aunque parece ser que la música se halla partes en el Oratorio de Navidad y en algunas de sus cantatas, la cuarta según San Lucas parece que no era suya, fue un error adjudicársela solo que la partitura estaba escrita y tenia algunos añadidos de él. De la quinta aún no se sabe nada aunque los especialistas siguen investigando sobre ella.

De las dos conocidas sin duda la Pasión según San Mateo es la más espectacular, yo diría para que se me entienda, que lo que en arquitectura es una catedral, en música es la pasión, o lo que es lo mismo, la pasión es una catedral de la música, Alberto Basso muy acertadamente la denomina como un gran drama litúrgico. Su primera interpretación tuvo lugar el Viernes Santo de 1729

Obra de enorme dimensión, dura aproximadamente tres horas y media que les puedo asegurar se hacen cortas, dividida en dos partes.
Utiliza dos orquestas la primera formada por 2 flautas traveseras, 2 flautas de pico, 2 oboes, 2 oboes de amor, violines primeros y segundos, violas, viola da gamba. La segunda orquesta es más pequeñas la forman 2 flautas, 2 oboes, 2 oboes de amor, violines primeros y segundos, violas, violas da gamba. Cada orquesta tiene su propia sección de continuo en este caso un órgano cada una. Dos coros mixtos a cuatro voces, uno más de voces blancas, un tenor, un barítono, una soprano y una mezzosoprano, contralto o a veces un contratenor.
El texto es obra de Picander, seudónimo de Christian Friedrich Henrici poeta muy allegado a Bach, presenta tres discursos, el bíblico, los poemas de Picander y los himnos del credo protestante (corales).

El caso es que Bach en su época no gozó del éxito que merecía, se acusaba a su obra de poca naturalidad, muy recargada, confusa y artificiosa, aunque yo creo que lo que más ayudó a este ostracismo fue su tenaz defensa del credo luterano, solo los muy entendidos una minoría muy selecta valoraba la obra del músico alemán que tras su muerte cayó en el olvido.
El renacimiento de Bach se produce en pleno romanticismo y es sobre todo Mendelssohn el que con la ejecución en 1829 de la Pasión según San Mateo con la Singakademie de Berlín, hace que los alemanes se entusiasmen y posteriormente el mundo entero, con el grandísimo compositor que fue Johann Sebastian Bach.

domingo, 7 de marzo de 2010

LA CONSAGRACION DE LA PRIMAVERA


Rafa Ponce 7-03-2010

Este viernes asistí al programa de abono nº 10 de la Orquesta Filarmónica de Málaga, programa netamente ruso, Borodin (Marcha polovtsiana de El Príncipe Igor), Schostakovich (Concierto para violín y orquesta) y Stravinsky (La consagración de la primavera) sin desmerecer una interpretación virtuosísima de la orquesta y el violinista Julián Rachlin en el concierto de Schostakovich, es con la última con la que me he quedado impactado, la verdad que con Stravinsky siempre me pasa, recuerdo que la temporada pasada me ocurrió con Petrushka, estuve una semana silbando los compases mas pegadizos.
Nada más salir del Teatro Cervantes, me pregunto por qué suscitó el monumental escándalo que provocó el ballet La Consagración de la Primavera, en su primera representación en el Teatro de los Campos Elíseos de París, el 29 de mayo de 1913.
Leo que aquel coso de alaridos con irregularidad extrema en los compases y partitura imposible, provocó en la velada parisina un escándalo sin precedentes.
Maurice Ravel, que defendió la calidad de la partitura, fue insultado al grito de "¡sucio judío!", a lo que respondió el pintor Jacques-Emile Blanche en defensa del anterior: "¡Id todos a freír espárragos! ¡Sois una pandilla de ignorantes!".
Diaghilev ordenó encender y apagar las luces en ráfagas como último recurso para calmar la ira, pero de nada sirvió, partidarios y detractores, que en pocos minutos fueron bastante más allá de las palabras: puñetazos, bastonazos y duelos cuerpo a cuerpo se sucedieron en los palcos y el patio de butacas, además de desmayos entre las señoras. Leo en la prensa el testimonio de un espectador anónimo: "En algún momento debí perder el conocimiento, o al menos el dominio de mí mismo. Cuando lo recuperé, me di cuenta de que estaba golpeando con mi puño la cabeza del caballero que estaba sentado junto delante de mi asiento. Intentaba seguir el ritmo. Pero él debía haberse quedado también inconsciente, porque no reaccionaba".
Stravinsky, atónito ante aquella situación y temeroso de su propia integridad, se escapó como pudo entre bastidores después de que alguien pidiera su cabeza. El mérito de aquel trago correspondió sin embargo a Monteux, quien, según las crónicas, dirigió impertérrito a la orquesta, ajeno a la batalla campal, y logró conducir la partitura hasta su final.
Seguro que no hubo una sola razón, la agresividad de la música, las disonancias, la violencia del ritmo, la coreografía de Vaslav Nijinsky y la dirección de Pierre Monteux. los miembros del ballet se quejaban de que la energía reclamada para cada movimiento ponía en peligro la integridad de sus órganos vitales, lo que provocó agrias disputas ente Stravinsky y Nijinsjy durante los ensayos, ninguno de ellos podía imaginar lo que la actuación iba a dar de sí, es cierto que la pieza orquestal puso patas arriba todos los órdenes mantenidos hasta entonces respecto a armonía, timbre, ritmo y textura.
Quizás era muy avanzada para la época, pero estamos nada menos que en París, Picasso había puesto un punto y aparte para la pintura con Las señoritas de Aviñón, la verdad es que nunca se sabrá.
¿Cómo ha sobrevivido después de aquello? Increíblemente a partir de su siguiente interpretación pasó a seducir a todos los públicos con la fuerza de una orquesta magistral con aproximadamente 90 músicos y de una pulsión rítmica que parece brotar de las entrañas. El empresario de los Ballets Rusos, Sergei Diaguilev, se sentía satisfecho el mismo día del estreno: su olfato había vuelto a acertar.
La obra, una fábula mitológica que recrea el sacrificio ritual a la diosa Primavera con compases irregulares y cambios frenéticos e impulsivos, ajenos a cualquier racionalidad, junto a virajes radicales intensidad, se traducen en una música dirigida a lo más profundo del instinto y próxima a la agresividad.
Partitura empapada en la tradición rusa, aunque Stravinsky ya quería y más tarde consiguió dar una dimensión cosmopolita a su música, apartándose del nacionalismo y de la influencia del Grupo de los Cincos, no olvidemos que fue alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov, en la Consagración las raíces nacionalistas están aun muy vivas, aunque no le impide, conformar con elementos heredados, un mundo sonoro novedoso y personal, impactante, muy disonante, con melodías que se hacen jirones, utilizando una orquesta gigantesca en la que la cuerda pierde el protagonismo de la época romántica en beneficio del viento y la percusión. Según leo en el programa de mano de la Filarmónica de Málaga, “la primera intención de Stravinsky era representar el terror de la naturaleza frente a la belleza eterna y añade ¿Puede ser esta una liberación del cuerpo, una rebelión inconsciente a lo que Michel Foucault llamó bipoder y definió como una práctica moderna de los estados que explotan numerosa y diversas técnicas para subyugar los cuerpos y controlar la población?, el compositor siempre se mostró reacio a las explicaciones más allá de la propia música.
Lo cierto es que la Consagración de la Primavera ha suscitado muchas interpretaciones, pero seguro esta obra no deja a nadie impasible.

viernes, 12 de febrero de 2010

MIES VAN DER ROHE


Rafa Ponce 12-02-2010

Si usted pasa por una tienda de muebles y se enamora del sillón Barcelona, sepa que este se creó para el pabellón alemán de la Exposición Universal de Barcelona del año 1929, por el arquitecto y diseñador alemán Ludwig Mies Van Der Rohe (Aquisgrán, 1886 – Chicago, 1969), ojo repito creado en 1929 ?... no no, no está comprado usted un mueble de rabiosa vanguardia, aunque no lo parezca es todo un clásico, que debe ostentar un récord de ventas, solo igualado por algún otro de la misma escuela, la Bauhaus, de la que fue director entre 1930 y 1933.

Hijo del propietario de un taller de cantería, terminar sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios a los 15 años, trabaja como delineante cuatro años en tiendas y talleres de Aquisgrán y posteriormente se incorporar al estudio de arquitectura de Bruno Paul, donde recibe el primer encargo como arquitecto, la casa del profesor de filosofía Alois Riehl en Berlín, este le introduce en los círculos intelectuales, artístico, industriales y financieros alemanes, de donde posteriormente le surgirán muchos encargos.

Trabaja con el conocido arquitecto Peter Behrens, donde coinciden nada menos que con Walter Gropius, Adolf Meyer y aunque por poco tiempo con Le Corbusier, prácticamente se juntan los padres de la arquitectura del siglo XX.



Tras la primera guerra mundial en 1929 Mies recibe el encargo de proyectar el Pabellón de Barcelona, consistía básicamente en un salón protocolar y su diseño la convierte para mi gusto en la obra de arquitectura más innovadoras del siglo XX, digamos que sienta las base del racionalismo o funcionalismo arquitectónico, estilo que predominaría en el siglo pasado y predomina en lo que va de este. De extrema simplicidad y composición, pero de unas perfectas proporciones, dificultad máxima de la arquitectura actual, que en este edificio tiene una respuesta sublimes, así como la resolución de los sistemas constructivos, llegando hasta los más pequeños detalles.

Posteriormente recibe innumerables encargos entre ellos los conocidos rascacielos como el Seagran en New York o los apartamentos Lake Shore Drive en Chicago que son otras lecciones maestras de arquitectura contemporánea, pero yo me quedo con el pequeño pabellón, me cautivó su luz, sus materiales, sus detalles de acabados, su mobiliario y no me canso de repetir sus proporciones, además de ser una arquitectura humana de las que no empequeñece al hombre, al contrario de rascacielos, catedrales y demás obras faraónicas.

“No quiero ser interesante. Quiero ser bueno” dijo en una ocasión y esa frase refleja a la perfección su trabajo.

domingo, 7 de febrero de 2010

EL FORMALISMO FUNCIONAL DE EDUARDO TRUJILLO



Rafa Ponce
Málaga 7-02-2010

Se mueve Eduardo dentro de la corriente formalista surgida en la década de los 60 como movimiento que rechaza el espiritualismo y el informalismo. Su obra tiene la austeridad como característica principal a la que se unen forma y contenido, digamos que el minimalismo es su máxima expresión con rechazo expreso a todo lo emocional que por ejemplo rodea al expresionismo abstracto y el informalismo.

Tiene la creencia que los valores estéticos pueden sostenerse por su cuenta, aislado de otras consideraciones éticas y sociales. Dándole importancia a la forma, la composición, los colores o la estructura, aunque todo precede a la función, máxima racionalista o funcionalista donde ya es conocido que el hombre y su bienestar son su eje principal.

Dentro de estos postulados algunos heredados o fuertemente influenciados por su profesión como arquitecto, se concentra esta novedosa propuesta que nos hace Eduardo en su reciente obra.

viernes, 15 de enero de 2010

GRUPO "EL PASO"



Rafa Ponce 15-01-10

Acabo de leer un artículo donde se califica al grupo “EL PASO” como el colectivo artístico oficial del régimen franquista, se dice en el mismo que a ojos de los sectores oficiales el grupo era un perfecto embajador de la cultura española, que sus obras ofrecían una imagen de modernidad del régimen de Franco.

A mí me resulta difícil digerir esa imagen desde mi perspectiva de simple admirador del grupo, que entre los años 1957 y 1967 rompieron con la imagen de una España que vivía en la total atonía del mundo creativo.

Que el grupo no asustara al régimen porque no hubiera una crítica explícita en las obra y que su compromiso político fuera casi inexistente, solo Viola y Chirino militaron en partidos, no impidió que con el tiempo fueran rechazando su condición de representantes oficiales de un régimen del que claramente no eran partidarios.

Pienso que la complicidad, de existir, fue un mutuo aprovechamiento no premeditado, al régimen le interesaría dar una imagen de modernidad y al grupo le convenía trabajar con toda libertad además de respaldados por las entidades culturales y económicas de la época, ni más ni menos que muchos otros, por ejemplo cineastas, músicos, escritores muy importantes y conocidos, a los que nunca se les acusó de colaboracionistas.

MANIFIESTO, verano de 1957

EL PASO es una actividad que pretende crear un nuevo estado del espíritu dentro del mundo artístico español.

EL PASO nace como consecuencia de la agrupación de varios pintores y escritores que por distintos caminos han comprendido la necesidad moral de realizar una acción dentro de su país. EL PASO pretende crear un ambiente que permita el libre desenvolvimiento del arte y del artista, y luchará por superar la aguda crisis por la que atraviesa España en el campo de las artes visuales (sus causas: la falta de museos y de coleccionistas, la ausencia de una crítica responsable, la radical separación entre las diferentes actividades artísticas, la artificial solución de la emigración artísticas, etc.). Creemos que nuestro arte no será válido mientras no contenga una inquietud coincidente con los signos de la época, realizando una apasionada toma de contacto con las más renovadoras corrientes artísticas.

Vamos hacia una plástica revolucionaria -en la que estén presentes nuestra tradición dramática y nuestra directa expresión-, que responda históricamente a una actividad universal.

Conscientes de la inutilidad de la discusión sobre los términos abstracción- figuración, arte constructivo-expresionista, arte colectivo individualidad, etc. Nuestro propósito es el de presentar una obra auténtica y libre, abierta hacia la experimentación e investigación sin fronteras, y no sujeta a cánones exclusivistas o limitativos. Propugnamos un arte recio y profundo, grave y significativo. Luchamos por un arte hacia la salvación de la individualidad, dentro del signo de nuestra época. Nos encaminamos hacia una gran transformación plástica en la cual encontrar la expresión de una nueva realidad. Y hacia una anti academia en la que el espectador y el artista joven tomen consciencia de su responsabilidad social y espiritual.

Y la acción de EL PASO durará mientras las condiciones antes expuestas se mantengan en nuestro país.


No veo en el manifiesto fundacional ninguna muestra de complicidad con el régimen, pero al margen de la política, lo que es evidente, es que el grupo era un PASO hacia la modernidad del arte español que en la posguerra con el aislamiento internacional, la crisis social y política del país, estaba en una gran recesión de creatividad, sumido en un academicismo obsoleto.

El PASO era colectivo de pintores y escultores de muy diferentes personalidades, pero con una misma visión sobre el arte, lo formaban Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manuel Millares, Antonio Saura, Manuel Rivera, Pablo Serrano, Antonio Suárez, Manuel Conde y José Ayllón, mas tarde se agregaron Martin Chirino y Manuel Viola.

Para mi gusto destacaban Millares y Saura en la pintura y Serrano en la escultura, recuerdo como me impresionó una exposición que se llevó a cabo en el entonces Museo Provincial de Málaga con obras de la Fundación Juan March, donde conocí digamos en directo el trabajo de la gran mayoría de ellos y como me enganchó el arte de vanguardia al ver los lienzos de grandes formatos de Millares, donde el negro, el blanco y el rojo mezclados con la arpillera, daban a la obra una expresividad y dramatismo que te encogía el corazón. La violencia y libertad en el trazo de las pinturas en blanco y negro de Saura, así como la elegancia y claridad de Fernando Zobel que te hacían sentirte en la nada al imbuirte en sus cuadros, se que Zobel no formó parte del grupo pero a la larga ejerció un mecenazgo sobre la mayoría, prueba de ello el Museo de arte Contemporáneo de Cuenca creado por él y que cedió a la Fundación Juan March.

Así que comprendan que me moleste cuando se quiera vincular a este grupo con el régimen, digamos que en esa época en España si alguien revolucionó algo, estos artistas fueron de los que más, solo hay que ver sus obras, independientemente de que tuvieran o no carnet de ningún grupo político, que por cierto no es ni mucho menos como ya está más que demostrado significativo de nada.

miércoles, 13 de enero de 2010

MUJER DESNUDA



Aquí muestro de nuevo una obra de mi compañero y amigo Eduardo Trujillo, se ve que tiene predilección por la figura humana, siempre muy plana, con influencias diversas (desde el fauvismo al expresionismo), pero en la que a primera vista captamos la presencia de un estilo enormemente personal.

Me adjunta la nota siguiente:

Con el siguiente texto os introduzco en la obra que me ha llevado estos 4 últimos años, donde creo haber encontrado una línea de trabajo en la que me hallo inmerso descifrando sus leyes.

“Una curva puede pasar por dos puntos describiendo una trayectoria mas emocionante que la que jamás podrá conseguir una recta; un recorrido peligroso pero excitante, lleno de momentos donde uno acamparía y exploraría la zona en círculos concéntricos, para proseguir a la mañana siguiente en la ascensión a la cima. Una aventura en la que perderse y explorar nuevos caminos, formas, texturas y colores, donde la referencia se pierde para trasladarse a la imaginación y establecer un contacto directo con su alma, esencia de la verdad y objetivo de todo poeta”.

José Eduardo Trujillo Prieto